Всеволод Швайба. О рисовании, творческой деятельности и преподавании.

Я родился в Минске, учился в художественной школе №26. Потом поступил в Академию искусств на факультет ДПИ, кафедра «Графический дизайн». По завершении обучения сроком в 5 лет, я поступил в художественные творческие мастерские живописи, скульптуры и графики при Министерстве культуры РБ. Отучившись там 3 года под управлением народного художника Георгия Поплавского, защитил дипломную работу и выпустился. Затем я вступил в союз художников, после чего мне выдали мастерскую. В мастерской работаю по сей день, выполняю работы живописные, в графических техниках, например офорт, литография, ксилография, гравюра, карандашные техники, цифровое творчество в контексте анатомии и эскизирования. Также уже более 10 лет преподаю графический дизайн (плакаты, верстка, логотипы, фирменный стиль) в БГУ на кафедре средового дизайна. Также преподаю рисунок, композицию и живопись в таких компаниях, как Wargaming и Vizor.

Рисовал я с детства с самых ранних лет. Еще с детского сада меня невозможно было оттащить от листа бумаги и карандашей. А потом уже была художественная школа №26, которая потом стала лицеем, а потом гимназией и школой искусств.

На мой взгляд, все было достаточно гармонично и шло своим чередом. Родители заметили мое увлечение, отдали в художественную школу и уже там все это дело далее культивировалось до Академии искусств. И я остался верен этой стезе. Труднее всего искать себя, свой стиль, свое лицо. Потому что чем больше учишься, тем больше узнаешь разных авторов, художников, направлений. И в этом многообразии найти себя гораздо тернистее.

Я считаю, что оно очень важно для творческого человека, впрочем, как и другое образование для других профессий. Оно безусловно должно быть, другое дело, образование можно устроить самому себе. Например, найти частных преподавателей, курсы, там поучиться, там поучиться. Но глобальное видение все же дает централизованное образование, оно создает в человеке какой-либо цельный образ. Хотя повторюсь, что можно этого добиться самому, но это гораздо сложнее. Все-таки на протяжении многих веков художники обучались сначала у мастеров, потом в 17 веке образовались академии. Преемственность все-равно остается. Так оно было, есть и будет.

Не знаю, мне просто кажется, что меня понимают ученики, когда я что-либо объясняю. Но однозначно насчет призвания не скажу.

Как-такого переключения от статуса ученика к статусу преподавателя наверно и нет. Есть некий плавный постепенный переход, даже не заметный для тебя самого. Да, в определенный момент жизни тебя вдруг начинают называть по имени и отчеству, наверно только в этом заключалось осознанное переключение.

Обучая других я, безусловно, получаю новый опыт и учусь чему-то новому. Узнаются какие-то новые нюансы, открываются новые горизонты. Когда начинаешь преподавать, ты также начинаешь еще более тонко воспринимать тот предмет, которым увлекся, который изучаешь, и это прекрасно. Это дает новые силы для каких-либо более тонких достижений.

Я делаю больший акцент на человека наверно, потому что мне интересен человек более, чем что-либо. Мне кажется, это бесконечное поле для изучения, для проникновения. Я считаю, что человеку, как правило, интересен человек. И всегда будет интересен. Мы всегда будем познавать себя. Поэтому мне интересно изображать человека, изучать портретные характеристики, пластику тела, язык тела. Это все очень интересно и глубоко. Обширно и бесконечно.

Книги, хорошая живопись, как старая, так и современная, интересные, хорошие фильмы. Даже когда видишь красивую постановку кадра, классную работу художников-аниматоров, художников-постановщиков, какие-то сцены, бутафорию. Плюс иллюстрации. Также вдохновляет то, что ты сам уже сделал и хочется делать дальше. То есть, вдохновение приходит во время еды, так сказать.

В Союзе художников в основном выставочная деятельность. Там предоставляются площадки для выставок. Можно делать свои выставки или участвовать в групповых, куда-то выезжать, например, на плэнеры. И, конечно, благодаря Союзу художников у меня есть мастерская для творческих работ. Также это интересные знакомства с авторами. В союзе состоит более 1000 авторов. Даже сейчас, хоть я и состою в нем 12 лет, я знаю не всех.

О персональных выставках могу сказать, что главное, чтоб были интересные проекты, работы. А уже сама выставка как-то организуется. Тут важно, чтобы было лицо автора. Лицо, которое заинтересовывает зрителя, галлериста. Тогда тебя заметят и помогут организовать выставку. Художник не должен делать все сам.

Больше люблю естественные материалы. Это конечно же холст, бумага, камень для литографии, те материалы, чью фактуру ты чувствуешь, можешь их пощупать, чувствуешь на острие карандаша поверхность. Мне это больше импонирует. Цифра сама по себе более гладкая, скользящая. Но в ней есть свои плюсы: вариативность, быстрые процессы, непозволительные в аналоговом рисовании, возможность отмены, множество слоев и так далее. Но все же больше люблю натуральные материалы.

На холсте я работаю только маслом. Я пробовал и темперу, и акрил, но мне больше по душе масло. Мне нравится, как оно себя ведет.

В преподавании меня привлекает диалог, перенастройка. То есть каждый раз преподавателю приходится настраиваться на ученика, ощущать его состояние, его мыслительный процесс. В этом есть такая работа для мозга. Ну и конечно же, когда преподаешь, сам развиваешься.

Анатомию я преподаю довольно давно. Мне кажется, тот метод, которым я пользуюсь, довольно доходчив и сознание учеников вбирает информацию, которую я преподаю. Я стараюсь рисовать при учениках, чтобы они смотрели, как я рисую, как это все формируется в процессе и получается наглядная картинка. Для визуалов это очень важно, они мыслят и воспринимают картинками, поэтому метод рисования при учениках мне кажется наиболее эффективным.

Учитесь и познавайте. Четко решите, что вы это любите, что вам это нужно и что вы получаете удовольствие от процесса. Самое главное получать удовольствие от того, что вы делаете, в меньшей степени от результата.